[正版]现代钢琴演奏技巧 原版引进图书 卡尔·来默尔 瓦尔特·吉泽金著 朔特音乐国际公司提供版权上海音乐出版社

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在器乐演奏中，如果演奏者在乐谱中一遇到较难的技巧，便强调演奏技巧的科学处理，这样很容易导致技巧练习与钢琴演奏整体过程的分离。 
在乍一接触某一部作品时，便强调某些技巧方面的要素，这显然是根据不足并且十分危险的。那些时而发生的，对于作品的难蝗程度近乎于荒诞的误解便是由这种情况导致的。如果从这一角度来看，莫扎特的奏鸣曲似乎要比肖邦的叙事曲在音乐表现方面容易得多。然而，人们在此很可能是忽视了莫扎特的奏鸣曲在理解、音质、触键方式以及创造力方面的更高要求。 
当今，人们努力在音乐演奏方面像在音乐理论课上那样，重视作品最为本质的东西――音乐的内涵。这样一来，“技巧”与“音乐表现”之间的区分似乎更为明显了。对于“技巧”的磨练已不再意味着清洁和磨利创造工艺品的工具。 
技巧训练距离音乐作品的精神越来越远，但却没有完全消除。现在大部分人练琴五、六个小时，其中一部分时间是手指在琴键上机械地运动着，丝毫没有因为体会到音乐的感受而使手指升温；另一些时间则因为追求某种感受的狂热而使所有在技巧方面、应当注意的问题都一股及甩到脑后。 
这种练习方法的问题首先是：学生们尽管事先专门对某部作品的技巧问题专门进行了学习，但却只有那些天赋很高的学生偶尔有机会将他们的音乐设想转化为具体的音乐。学生对于音乐的感受愈强，现实与设想之间的区别就愈是使他感到痛苦。虽然根据人们的感觉，音乐的表达是一个完整的整体。但事实上它却可以被划分为无数的细节，以致人们很难同时将所有的细节纳入音乐表现之中。此外，大多数的演奏者习惯笼统地听一部音乐作品，却很少注重它的细节，因此几乎无法在自己的演奏中听到音乐表现的细节并加以控制。 
只有当演奏者放弃将那些细到每个音符的细节同时纳入音乐表现时，才有可能按照自己的意图处理音乐作品。人们宁可让音乐的表现方式来源于音响的原始形式，并在经基础上使其发展。对于一部音乐作品的音乐表现方式最终定论必须慎而又慎，切不可匆忙。只有这样，演奏者在练琴过程中，才能不断地挖掘新意，并始终有一个追求的目标。也只有这样练就的作品，才不会给演奏者留下任何缺憾。 
在探索一部音乐作品的音乐表现的过程中，可以借助乐谱中大量的提示。这些提示应当尽可能出自作曲家本人。作曲家在乐谱及表情术语中一般都清晰地表现了自己的意图。据此，演奏者已能够非常理想地处理绝大部分的音乐表现。但是演奏者应当明白，在阅读那些表情术语时，反映到头脑中的不应该是一个个单词，而应当将其置于音乐的发展联系中确切理解其含意。谁如果不原意在这此字里行间进行深入细致的研究，谁就永远无法在演奏中再现作曲家所赋予作品的生命力。 
如果作曲家在乐谱中有表达不够确切之处，演奏者可借助自然的、规律性的音乐表现方式，即符合作品的本质及人们共同感受的音乐表现方式。演奏者根据各自不同的能力和理解力可以不断地追求完美音乐表现的新的相对性。 
在追求完美音乐表现的过程中，演奏完全没有必要将演奏技巧分离出来专门进行练习。演奏技巧是直接为音乐表现服务的，它从来不独立出现，而是紧密与音乐表现相联系并共同形成完整的“练琴过程”。 
完全取消单纯的技巧练习，仅以高度的注意力关注音乐的发展、曲式和音乐表现的有机构造，这在我看来，无论如何都是卡尔·莱默尔为我们这一时代所提供的一种新颖的教学方法。其基本特征本书前面已经谈过。这种教学实际上已不仅是继众多其他方法之后的一种新意，而是关于钢琴演奏整体问题的另外一种基本观点。 
这种崇高自然的基本观点已产生了很大的影响。在时刻注意肌肉运动的情况下，触键将在为一些简单的基本形式，所有其他演奏技巧都根据音乐上的要求而产生。学生们不再进行以注意义中的练琴，而是始终在演奏音乐。莱默尔的学生即不弹奏练习曲，也不进行专门的技巧练习，如音阶练习和手指练习。每天注意力高度集中练琴三小时，便足以完成学业。练琴时应当特别注意的是自然的音乐表现，依靠听觉认真检验自己的演奏，在想象中感受音乐作品，其中读谱默记这一练琴方式中的第一步。 
钢琴演奏的这种学习方式使钢琴教学发生了深刻的变化。经历了这种变化的学生无论在演奏或音乐表现方面都获得了明显的进步。 
读者们不要期望这本书存有什么魔法，而是要热切的期望自己由此而获最佳的学习能力。读者们不能奢望获得一种全新的、闻所未闻的教学法，而应当看到，多少年来多数人都在沿袭钢琴教学的老路，而人思想却在时刻更新。读者们在此可以看到解决钢琴演奏问题的一条新途径，而前面读到过的那部分内容则可以作为迈入新途径的最初几步。

在器乐演奏中，如果演奏者在乐谱中一遇到较难的技巧，便强调演奏技巧的科学处理，这样很容易导致技巧练习与钢琴演奏整体过程的分离。 
在乍一接触某一部作品时，便强调某些技巧方面的要素，这显然是根据不足并且十分危险的。那些时而发生的，对于作品的难蝗程度近乎于荒诞的误解便是由这种情况导致的。如果从这一角度来看，莫扎特的奏鸣曲似乎要比肖邦的叙事曲在音乐表现方面容易得多。然而，人们在此很可能是忽视了莫扎特的奏鸣曲在理解、音质、触键方式以及创造力方面的更高要求。 
当今，人们努力在音乐演奏方面像在音乐理论课上那样，重视作品最为本质的东西――音乐的内涵。这样一来，“技巧”与“音乐表现”之间的区分似乎更为明显了。对于“技巧”的磨练已不再意味着清洁和磨利创造工艺品的工具。 
技巧训练距离音乐作品的精神越来越远，但却没有完全消除。现在大部分人练琴五、六个小时，其中一部分时间是手指在琴键上机械地运动着，丝毫没有因为体会到音乐的感受而使手指升温；另一些时间则因为追求某种感受的狂热而使所有在技巧方面、应当注意的问题都一股及甩到脑后。 
这种练习方法的问题首先是：学生们尽管事先专门对某部作品的技巧问题专门进行了学习，但却只有那些天赋很高的学生偶尔有机会将他们的音乐设想转化为具体的音乐。学生对于音乐的感受愈强，现实与设想之间的区别就愈是使他感到痛苦。虽然根据人们的感觉，音乐的表达是一个完整的整体。但事实上它却可以被划分为无数的细节，以致人们很难同时将所有的细节纳入音乐表现之中。此外，大多数的演奏者习惯笼统地听一部音乐作品，却很少注重它的细节，因此几乎无法在自己的演奏中听到音乐表现的细节并加以控制。 
只有当演奏者放弃将那些细到每个音符的细节同时纳入音乐表现时，才有可能按照自己的意图处理音乐作品。人们宁可让音乐的表现方式来源于音响的原始形式，并在经基础上使其发展。对于一部音乐作品的音乐表现方式最终定论必须慎而又慎，切不可匆忙。只有这样，演奏者在练琴过程中，才能不断地挖掘新意，并始终有一个追求的目标。也只有这样练就的作品，才不会给演奏者留下任何缺憾。 
在探索一部音乐作品的音乐表现的过程中，可以借助乐谱中大量的提示。这些提示应当尽可能出自作曲家本人。作曲家在乐谱及表情术语中一般都清晰地表现了自己的意图。据此，演奏者已能够非常理想地处理绝大部分的音乐表现。但是演奏者应当明白，在阅读那些表情术语时，反映到头脑中的不应该是一个个单词，而应当将其置于音乐的发展联系中确切理解其含意。谁如果不原意在这此字里行间进行深入细致的研究，谁就永远无法在演奏中再现作曲家所赋予作品的生命力。 
如果作曲家在乐谱中有表达不够确切之处，演奏者可借助自然的、规律性的音乐表现方式，即符合作品的本质及人们共同感受的音乐表现方式。演奏者根据各自不同的能力和理解力可以不断地追求完美音乐表现的新的相对性。 
在追求完美音乐表现的过程中，演奏完全没有必要将演奏技巧分离出来专门进行练习。演奏技巧是直接为音乐表现服务的，它从来不独立出现，而是紧密与音乐表现相联系并共同形成完整的“练琴过程”。 
完全取消单纯的技巧练习，仅以高度的注意力关注音乐的发展、曲式和音乐表现的有机构造，这在我看来，无论如何都是卡尔·莱默尔为我们这一时代所提供的一种新颖的教学方法。其基本特征本书前面已经谈过。这种教学实际上已不仅是继众多其他方法之后的一种新意，而是关于钢琴演奏整体问题的另外一种基本观点。 
这种崇高自然的基本观点已产生了很大的影响。在时刻注意肌肉运动的情况下，触键将在为一些简单的基本形式，所有其他演奏技巧都根据音乐上的要求而产生。学生们不再进行以注意义中的练琴，而是始终在演奏音乐。莱默尔的学生即不弹奏练习曲，也不进行专门的技巧练习，如音阶练习和手指练习。每天注意力高度集中练琴三小时，便足以完成学业。练琴时应当特别注意的是自然的音乐表现，依靠听觉认真检验自己的演奏，在想象中感受音乐作品，其中读谱默记这一练琴方式中的第一步。 
钢琴演奏的这种学习方式使钢琴教学发生了深刻的变化。经历了这种变化的学生无论在演奏或音乐表现方面都获得了明显的进步。 
读者们不要期望这本书存有什么魔法，而是要热切的期望自己由此而获最佳的学习能力。读者们不能奢望获得一种全新的、闻所未闻的教学法，而应当看到，多少年来多数人都在沿袭钢琴教学的老路，而人思想却在时刻更新。读者们在此可以看到解决钢琴演奏问题的一条新途径，而前面读到过的那部分内容则可以作为迈入新途径的最初几步。